50 weitere großartige Alben des Jahres

May 08, 2023

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Moment, haben wir das nicht schon gemacht? Nun ja, nein – nicht ganz.

SPIN hat kürzlich eine Liste mit dem Titel „Die 22 besten Alben des Jahres 2022“ veröffentlicht, in der die Auswahl unserer Redaktion zusammengefasst ist. Aber dieses Jahr gab es zu viele tolle Platten, als dass man sie in einem Stück zusammenpacken könnte, also … Glück gehabt! Hier ist eine weitere Liste, dieses Mal von unseren anderen Mitwirkenden verfasst.

Die Fortsetzung ist ebenso vielseitig und reicht von funkelndem Indie-Folk (Big Thief) über kaleidosopischen Psych (Acid Mothers Reynols) bis hin zu herzhaftem Sludge-Metal (Chat Pile) und innovativem R&B-Pop (Beyoncé). Eingraben.

Dass sich die japanischen psychedelischen Marathonläufer Acid Mothers Temple mit der argentinischen „Automatic Noise“-Einheit Reynols zusammenschließen würden, erscheint im Nachhinein sowohl unvermeidlich als auch fantastisch. Abgesehen vom kosmischen Garagen-Nugget „Bob Bubbles“, 2020er Vol. 1 schwebte und schwang wie eine ausgefranste, interdimensionale Hängematte, wunderschön und träge, zwei Bänder verschmolzen zu einem erfreulich integrierten Ganzen. Aus den Sessions Ende 2017, aus denen Vol. hervorging. 1, Bd. 2 stellt die Kehrseite der hyperoxidierten Münze „Acid Mothers Reynols“ dar – zäh, entflammt, in Momenten, die an Swell Maps oder The Fall erinnern. „Antimatter-Sound Milkshake“ verteilt verrückte Klavierklänge über einen locker skizzierten Zonenausgang. „Sun Inside A Silent Sun“ schlängelt sich nach oben in einen glühenden Groove. Bd. 2 endet schließlich mit „Dimentional Brochette O'Clock“, einem hirnkitzelnden, kaleidoskopischen Gesang – der hoffentlich nicht das letzte Mal ist, dass wir von dieser neunköpfigen Hydra hören. – Raymond Cummings

Scheiß Nostalgie. Alvvays haben nun ihre C86-Einflüsse überwunden und die beste Indie-Gitarrenplatte des Jahres aufgenommen. Wenn ihre früheren (und immer noch hervorragenden) Platten das hinterhältige „Shambling“-Label des verstorbenen John Peel verkörpern, das den selbstbewussten Amateurismus des klimpernden, pop-agnostischen Indie-Rocks lobte, können auch Sie, Leser, (500) Days of Summer und sehen eine Band gründen – Blue Rev schlägt die Rückhand aus dem Fenster. Nein, du bist nicht so gut darin, Songs zu schreiben wie Molly Rankin und Alec O'Hanley. Und jetzt sind sie laut. Die anfängliche Begeisterung von Blue Rev unterstrich tatsächlich den schreienden Glanz, der von einer neuen Rhythmusgruppe und dem Superproduzenten Shawn Everett geschaffen wurde (und am besten auf dem Album-Opener „Pharmacist“ zu hören ist). Wochen später fallen nun die ruhigeren Details auf. She Wrote ist eine scheinbar beiläufige Anspielung auf „Murder“ in einem Lied, das nach einer Murakami-Kurzgeschichtensammlung benannt ist, in der die Tragödie aus der Ferne untersucht und später ein Lied von Belinda Carlisle als unironische Metapher für die Zukunft benannt wird. Die an die Beatles erinnernden Gesangsharmonien auf dem Karrierehöhepunkt „Many Mirrors“ treffen auf Kevin Shields‘ Whammy-Bar, die so groß wie das Meer klingt. Rankin singt in „Velveteen“: „Ist sie eine perfekte 10? / Hast du Christus wiedergefunden?“, als würde sie einer Freundin vergeben. Es gibt noch viele weitere Geheimnisse zu entdecken. – Brady Gerber

Zeit war für Animal Collective eine seltsame, unvorhersehbare Sache. Nach einem Durchbruch auf Traumniveau und zwei aufeinanderfolgenden Platten, die für Spaltungen sorgten, klingt die in Baltimore geborene Gruppe auf „Time Skiffs“ verjüngt. AnCos längste Albumpause brachte eine ihrer besten Veröffentlichungen hervor, die in ihrer unbeschwerten Geduld und straffen, Groove-getriebenen Dynamik den Einfluss einer Jam-Band ausübt. Songs wie „Prester John“ und „Strung with Everything“ halten ihre markantesten Harmonien mehrere Minuten lang zurück. „Cherokee“ glänzt durch sein erhabenes, gedämpftes Flüstern, während Deakin „Royal and Desire“ näher bringt wie ein gemächlicher Walzer, der sich weigert, durch seine Anmut zu rasen. Animal Collective genießt den Moment. – Natalie Marlin

Ashenspire aus Schottland schmuggelt weniger linke Politik in ihre Musik als vielmehr Musik in ihre Agitprop-Musik. Alasdair Dunn ist so eloquent wie jeder andere im Metal-Bereich über Klassenkampf und den ewig stampfenden Stiefel des Faschismus, und seine Texte zu Hostile Architecture vermischen persönliche Erinnerungen mit feurigen Aufrufen zum Handeln. Er hält seine Beschimpfungen in einem wildäugigen, von Devil Doll inspirierten Sprechgesang vor, und der Rest der Band baut hinter ihm eine schlurfende Kakophonie aus avantgardistischem Black Metal auf, wobei ihre Geigen und Saxophone gegen kantige Gitarrenriffs und hämmernde Trommeln (gespielt von) knirschen Dunn selbst). Musikalisch und politisch ist „Hostile Architecture“ bewusst darauf ausgelegt, zu verunsichern. Ashenspire hofft, dass es Ihnen das Unbehagen bereitet, zu handeln. – Brad Sanders

Bartees Strange macht das Beste aus dem wachsenden Indie-Ruhm: Auf „Cosigns“, einem Titel aus seinem zweiten Album „Farm to Table“, prahlt er mit Tourneen mit Phoebe Bridgers und FaceTiming mit Justin Vernon. Für die Fans war es aufregend, den Karriereaufstieg nach seinem Debüt im Jahr 2020, Live Forever, zu verfolgen. Aber wie Strange auch in „Cosigns“ betont, ist er hungrig – und strebt immer höher. Auf „Farm to Table“ ist sein Sound größer und unendlich selbstbewusster, vom Arena-Rock „Heavy Heart“ bis zum totalen Pop-Knaller „Wretched“. Seine Starpower ist unbestreitbar, aber sein Fokus auf das Schreiben großartiger Songs hat nicht nachgelassen. – Mia Hughes

In einem Genre, dessen Songwriter den Launen mechanischer Algorithmen verpflichtet zu sein scheinen, stellt Beyoncés Renaissance nicht nur den Künstler neu vor, sondern auch die Konturen der Popmusik selbst. „Renaissance“, der erste Teil einer Trilogie, ist eine epische, atemberaubende Darstellung von Bravour, die den Pionieren der Tanzmusik – schwarzen, queeren Menschen – auf die einzige Art und Weise huldigt, wie es einer Jungfrau möglich ist: so gründlich durchdacht und recherchiert, dass die Samples und Anspielungen des Albums einen Hochschulkurs rechtfertigen. Vom Clark Sisters-Sample auf „Church Girl“ bis hin zu Auftritten des produktiven Produzenten Nile Rodgers, der legendären Drag-Performerin der 90er Jahre, Moi Renee, und des gefeierten House- und Techno-DJs Honey Dijon knüpft das Album nahtlos an die jahrzehntelange Tradition an. Renaissance feiert das Erbe, das dazu geführt hat, dass schwarze Musik zum Synonym für amerikanische Musik geworden ist – ähnlich wie Beyoncé zum Synonym für Exzellenz geworden ist. – Kriska Desir

Die fünfte Veröffentlichung von Big Thief ist eine der großartigsten Platten mit häuslicher Verrücktheit, bei der allein der Akt des Frühstückskochens bei eingeschaltetem Radio ein psychedelisches Erlebnis sein kann – man kann sich die fröhlichen Kreaturen vorstellen, die draußen auf Adrianne Lenkers Rasen tanzen. Das Country-Gebrüll der Sängerin erinnert mit jedem Album ein wenig mehr an das von Emmylou Harris, und wenn der heimliche Gruß von Gram Parsons auf „Simulation Swarm“ ein Hinweis darauf ist, dann weiß sie es. Auf „Dragon“ greift sie auf die größere Tradition des amerikanischen Roots-Rock zurück und schlägt sogar einen biblischen Ursprung für ihr Songwriting auf „Sparrow“ vor – Eve sprach mit Schlangen und sie führten sie, und ihre Nachkommen singen immer noch für die Welt. – Daniel Bromfield

Black Country, eine der seltsamsten zeitgenössischen Bands, die zwei aufeinanderfolgende Top-5-Alben in Großbritannien eingespielt hat, ist New Road, die eine oft schwindelerregende Kakophonie auslöst, ganz im Stil von Nick Caves Befehlsgebrüll in einem Kammerorchester. Verweise auf ein Mädchen mit „Billie-Eilish-Stil“ verankern die Musik zumindest einigermaßen in der Gegenwart, aber die abgestuften Bläser im Steve-Reich-Stil, das funkelnde Late-Night-Piano und eine Rhythmusgruppe, die so knochentrocken wie Slint ist, scheinen eingepfropft zu sein eine völlig andere Ära. Bis an die Grenze zwischen wahnsinnig stumpfsinnig und verblüffend originell schreitend, ist „Ants From Up There“ in einem Moment unbehaglich auf der Zunge und im nächsten Moment völlig zärtlich. – Jonathan Cohen

Nennen Sie Black Midi, wie Sie wollen – Post-Punk-Schwergewichte der Generation Z, das zweite Kommen des Jazz-Prog, höllisches Kabaretttheater – aber der rastlose Vortrieb der Band ist beeindruckend. Auf Hellfire klingt das Trio wie der Thronfolger von King Crimson aus der Larks‘ Tongues-Ära. Blechbläser kreischen durch schwindelerregende Gitarren-Arpeggios bei „Sugar/Tzu“, und Geordie Greep bellt wie ein wilder Auktionator bei „The Race Is About To Begin“ inmitten von Morgan Simpsons blitzschnellen Drum-Fills. Black Midi sind ebenso geschickt darin, im Handumdrehen zu galoppieren – im sanften Galopp von „Still“ unter der Leitung von Cameron Picton oder in Greeps brüllender Rolle als Schlagersänger in „The Defence“. Oder, vielleicht am irritierendsten, bei „Welcome To Hell“, wo der Übergang vom wahnsinnigen Sprint zum Klavier auf Zehenspitzen und zum Zupfen von Streichern und genauso schnell wieder zurück erfolgt. – Marlin

Der am besten nachvollziehbare Metal-Song dieses Jahres zeigt, wie man bescheuert high wird, seinem Leben ein Ende setzen möchte und wie die halluzinierende Grimace ebenfalls bescheuert high wird. „grimace_smoking_weed.jpg“ ist ein unheilvoll online klingender Songtitel, aber die unheilbar online stehenden sind nur einige der hoffnungslosen Charaktere, die Chat Pile aus Oklahoma City webt, um Gottes Land zu kartieren. „Why“ verbindet Sludge-Metal mit der Unverblümtheit von Discharge, um anzuprangern, warum wir die Obdachlosen unnötig leiden lassen. Lösungen liegen auf der Hand – Grausamkeit ist leider immer der Punkt. Auch hier spielt die Viehwirtschaft von Oklahoma City eine große Rolle: „Slaughterhouse“ dokumentiert die Psychose, die aus der Ausbeutung durch göttliches Stampfen entsteht, und in „The Mask“ fordert ein Räuber, der keine andere Wahl hat, Geiseln wie Vieh auf. Wir leben im Land Gottes – wir leben mit dem Preis des Paradieses für die Wenigen. – Andy O'Connor

Manchmal vergesse ich, was Lieder bewirken. Im schlimmsten Fall ist ein Tag unliedhaft: Er versucht nicht, die Luft zu kennen; Es wird nicht versucht, „Wissen“ hin zu „Singen“ zu verschieben. Ich stimme nicht überein. Aber dann höre ich jemanden wie Madison Cunningham, die „Lied“ als das bezeichnet, was es ist: ein Offenbarer. Das Album krächzt und trällert, hüpft und kreischt. Es dehnt mich, verlängert meine Sehnsucht mit seinem gitarrenartigen Spinnenspiel („All I've Ever Known“) und lässt mein Herz in knackigen, mundgerechten Häppchen der Erinnerung an „Where Are You Now“ zum Platzen kommen und bringt mich zum Stolpern die Namen, die meine Geschichte prägen („Sara und die stille Menge“). Es verkörpert mein Sein. Es bewegt mich. Danke für die Lieder, Madison. – Frank Falisi

MF Doom ist weg, Gift of Gab ist tot, Kanye verwandelt sich in einen empfindungsfähigen YouTube-Kommentar, immer noch kein neues Roots-Album – sehen Sie, es waren ein paar harte Jahre für Fans des zukunftsorientierten Rap der frühen 2000er. Cheat Codes, die seit langem versprochene abendfüllende Zusammenarbeit zwischen Danger Mouse und Black Thought, ist ein Balsam: 38 Minuten unprätentiöser Hip-Hop mit Funk und Prahlerei. Black Thought klingt energiegeladen und virtuos wie eh und je, spuckt Takte aus, die an die Intensität seiner Game Theory/Rising Down-Tage erinnern, und es ist eine Erleichterung zu hören, wie Danger Mouse das tut, was Danger Mouse am besten kann: körnige Soul-Samples zerhacken und loopen, anstatt mittelmäßige Alben zu produzieren für U2 und RHCP. Großzügige Gastauftritte von Raekwon, Run the Jewels und einem posthumen Doom verstärken das Gefühl der Wiederbelebung und Wiedervereinigung. – Zach Schonfeld

Wer hatte die Rückkehr von Death Cab zum Rock auf seinen Bingokarten für 2022? Die straffe zehnte LP der Band ist ihre eindringlichste (und wahrscheinlich beste) seit „Narrow Stairs“ aus dem Jahr 2008 – was für Ben Gibbard und sein Team wie eine Ewigkeit her ist. Ihre maßvolle Melancholie findet neue Form, wenn man sie durch die Linse der Pandemie betrachtet (als das meiste davon geschrieben wurde), und beginnt mit der Quarantäne-nickenden Hypnose von „I Don't Know How I Survive“. „Roman Candles“ platzt vor lauter verzerrten Bassdrums, und „Here to Forever“ – ihre schärfste Single seit Ewigkeiten – seziert den Lauf der Zeit mit Gibbards skalpellartiger Stimmpräzision. Aber der ehrgeizigste Titel ist „Foxglove Through the Clearcut“, ein eindringliches, halb gesprochenes Post-Punk-Stück über einen Mann, der in der Nähe des Ozeans lebt, aber die Weite des Wassers fürchtet. Es ist ein fesselndes Epos, das, wie das beste Werk von Death Cab, das genaue Zuhören belohnt. – Bobby Olivier

Denzel Curry liebt eine Konzeptplatte. Bei früheren Hommagen an Horrorcore und Street-Throwbacks der 90er-Jahre zeigte er sowohl seine Liebe zur Rap-Geschichte als auch seine Fähigkeit, eine Figur anzunehmen. Aber wie klingt das echte Denzel Curry? Melt My Eyez See Your Future beantwortet diese Frage auf unvergessliche Weise. Elegant, aber drahtig, kommerziell, aber im Rucksack geboren, ist Eyez ebenso offenherzig wie witzig und nutzt erstklassige Produzenten (Kenny Beats, Thundercat) und dynamische Gäste (T-Pain, Slowthai), um Stimmungen und Sounds mit müheloser Sprungkraft zu durchqueren. Manchmal lässt er Takte fallen, die noch brutaler sind als in seiner Horrorcore-Ära („Cops killin' blacks when the whites do the most / And your so-claimed revolution ain't nothin' but a post“, brodelt er in „The Last“) Eyez hat einen immensen Wiederspielwert und ist sowohl Currys zugänglichste LP als auch eines der besten Rap-Alben des Jahres. – Evan Sawdey

„Geschichte ist willkürlicher als Science-Fiction, weil Geschichte danach geschrieben wird, was man zeigen möchte“, erinnert uns Lucrecia (Martel). Und so: Musik ist Zeitreise. Weil das Bolero-Son-Tempo von Lucrecia Dalts Spekulativ-Fiction-Pop-Triumph ¡Ay! sind ebenso erzählerische Anker wie Portale: „No Tiempo“ gurrt eine Flöte, die so schwebend ist, dass sie Baumgrenzen und Trompeten durchschneidet – Ist es das Tuckern des Amazonas-Dschungels? Nur ein Holztisch, eine wehende Teetasse? – und „Atemporal“ macht die zeitreisenden, spannungsgeladenen Absichten des Projekts deutlich: Rhumba und Synthesizer stimmen zusammen, unser Leben bewegt sich vorwärts und rückwärts. Eine erinnerbare Vergangenheit und eine klingende Zukunft sind nur Songwriting, beschwört uns Lucrecia (Dalt). Wir flanschen, während wir uns beugen, zweimal gleichzeitig. – Falisi

Um es mit Kurt Vonnegut zu sagen: Rap sollte nicht in seinem eigenen Arschloch verschwinden. Defcee ist sich der Hohlheit des feigen Formalismus bewusst und hält sich stattdessen an Hemingways Sprichwort, indem er in jedem gut geformten Takt blutet. Auf „For All Debts Public and Private“, dem gemeinsamen Album des Rappers aus Chicago mit dem Produzenten (und Kollegen aus Chicago) BoatHouse, stellt er seine Fähigkeiten unter Beweis, die er in den berühmten offenen Mikrofonen der Stadt gefestigt hat, und webt geschickt Metaphern mit gleichermaßen Selbstvertrauen und Ernsthaftigkeit. Er bewegt sich zwischen verheerenden Salven, die sich gegen namentlich nicht genannte Gegner richten, persönlicher Enthüllung und gesellschaftspolitischer Analyse, indem er die väterliche Alltäglichkeit des Waschens von Babyflaschen in einen Flex umwandelt, Alarmisten der Abbruchkultur aufspießt und gerrymandering-Politiker auf den Kopf stellt. Es gibt auch Lieder, die der Teenagerliebe („Summer 06“) und der Auseinandersetzung mit dem Laster gewidmet sind (das „Rossi“ mit Armand Hammer). BoatHouse bietet ein subtil brillantes Update zum Ostküsten-Boom-Bap, jeden Takt einen anderen Soundtrack für Zugfahrten an kalten Wintertagen. Die erweiterte Import Edition des Albums bestätigt, dass Defcee einer der besten Rapper Chicagos ist und dass sich das Duo für eine Fortsetzung wiedervereinigen sollte. – Max Bell

Sängerin/Spoken-Word-Maestro Florence Shaw eröffnet Stumpwork, das zweite Dry Cleaning-Album, mit einer absolut packenden Frage: „Soll ich eine Freundschaft vorschlagen?“ Von da an erfüllt das britische Quartett seinen Teil der Abmachung: Sie färben den Post-Punk ihres 2021 erschienenen Debüts New Long Leg mit kunstvollen neuen Sounds, von Saxofon-Cameos bis hin zu Dream-Pop-Melodien. Aber sie haben auch nicht die Unmittelbarkeit verloren, nach der Sie süchtig sind: „Gary Ashby“ ist ein energiegeladener Ausbruch, zu dem Sie tanzen können, während die Basslinie in „Conservative Hell“ Sie (hoffentlich) weniger über das Fehlen dieser Unmittelbarkeit nachdenken lässt Entscheidungsfreiheit beim konservativen Aufwachsen und mehr über diesen ansteckenden Haken. – Cervanté Papst

Das 17-Track-Mixtape von FKA Twigs beginnt mit dem Öffnen einer Kassette, die in ein Deck einrastet, und führt uns durch ein vielschichtiges Universum aus Dancehall, trapsigem R&B und verträumtem Pop, das den Mainstream meidet, um erfinderisch zu bleiben. Wie der überschwängliche und herrlich chaotische Auftakt zu einer Nacht im Club treffen vom Wind getragene Soundbytes von Twigs‘ eigenen Freunden, die sich gegenseitig aufmuntern, auf kraftvolle Kollaborationen (Jorja Smith, The Weekend, Daniel Caesar, Shygirl, Pa Salieu). ). Diese Klänge verleihen der „Heilungserzählung“ der britischen Sängerin eine echte Atmosphäre des Tanzens, während man weint und beschließt, am Ende der Welt Spaß zu haben: die Lieder, die wir alle jetzt brauchen. – Andrea Bussell

Freddie Gibbs wartete über ein Jahrzehnt auf die Veröffentlichung seines Major-Label-Debüts „$oul $old $eparately“. Genauer gesagt verbrachte der gebürtige Gary aus Indiana die Jahre, nachdem Interscope ihn fallen ließ, damit, einen unanfechtbaren Katalog zu erstellen, düstere Geschichten über Crack-Verkäufe zu verfeinern und sich über die Politik der Plattenindustrie mit dröhnenden Trap-Beats, avantgardistischen Madlib-Suiten und düsteren Alchemist-Produktionen lustig zu machen. „$$$“ bietet weniger eine andere Erzählung, sondern verwandelt vielmehr Gibbs‘ Leben in einen Blockbuster. Die Produktion ist großartiger, die abwechslungsreichen, aber dennoch stimmigen Beats von Madlib und Kaytranada bis hin zu James Blake sind mit demselben Glanz überzogen, der Yachten in der Sonne glitzern lässt. Gibbs rappt mit dem passenden Schliff, wechselt in Doppeltakt-Kadenzen und liefert halbgesungene Couplets wie ein lange verschollenes Mitglied der Bone Thugs. Textlich losgelöst von der Zeit, springt er zwischen Jahrzehnten voller Konflikte und Erfolge hin und her, schenkt Champagner zum Feiern ein, kauft Diamanten, um seine posttraumatische Belastungsstörung zu verhindern, und bläst stumpfen Rauch, um lauernde Dämonen zu ersticken. Das Casino-Thema des Albums ist locker, aber es spiegelt das Wagnis wider, das Gibbs mit „$$$“ eingegangen ist: Er hat ein kommerziell ausgerichtetes Album gemacht, ohne künstlerische Zugeständnisse zu machen. Und er hat gewonnen. - Glocke

Gospel ist das unerwartetste und willkommenste Comeback im Jahr 2022 – wer hätte gedacht, dass New Yorks Avant-Hardcore-Mystiker jemals zurückkehren würden? Wenn man bedenkt, dass ihre anfängliche Auflösung darauf zurückzuführen war, dass sie zu heiß brannten, und dass ihr Debüt 2005(!!!) herauskam, klingt The Loser überraschend bereit, sich in den Transporter zu stürzen und mit Converge noch einmal richtig loszulegen. Keyboards, nämlich die zuverlässigen Schläger Mellotron und Orgel, spielen hier eine größere Rolle – der Opener „Bravo“ ist die Art, wie Jon Lord sagen würde: „I wanna see a verdammtes Circle Pit“, und sie treiben „SRO“ vom knorrigen Hardcore-Rasierer zur kopfbewegenden Ekstase . Und wenn es um reine Gitarrenschweißmuskeln geht, zeigt „White Spaces“, dass sie mit unvermindertem Selbstvertrauen spielen können. – O'Connor

JID war in Bezug auf Einzelheiten seiner Erziehung ziemlich schweigsam, aber das änderte sich alles mit „The Forever Story“, einer weitläufigen, verspäteten Autobiografie aus dem Atlanta-Reim. Hier verbindet er nervöse Triple-Time-Flows mit präzisen Details aus seiner Vergangenheit und erzählt Geschichten über Streit mit seiner Schwester („Sistanem“), Straßenkämpfe in der Familie („Crack Sandwich“) und Widerstandsfähigkeit. „Dance Now“ und das von Lil Durk vorgestellte „Bruddanem“ zeigen agile Reime und fantasievolles Geschichtenerzählen, aber das Herausragende ist „Kody Blu 31“ mit JIDs ausdrucksstarkem Gesang, symbolischem Songwriting und einer unerwarteten Gospel-Fusion. – Peter A. Berry

Diese erschreckend produktiven australischen Rocker haben oft ganze Alben einem einzigen Genre gewidmet. Aber selten haben sie sich so unverfroren gezeigt wie hier, mit sieben Songs in einer Stunde Musik, die aus Marathon-Jam-Sessions mit wechselnden Instrumenten entstanden ist. „Ice V“ ist reiner Jerry-Funk; „Lava“ ist ein Flöten-Mantra über Vulkane und Schlangen; und das 13-minütige „Hell's Itch“ würde aus den Lautsprechern eines Hippie-Vans auf dem Parkplatz einer Dead Show nicht fehl am Platz klingen. „Iron Lung“ landet in einem vertrauteren Drei-Gitarren-Territorium und brodelt mit „Warum funktioniert mein Körper nicht?“ klagt, bevor er in einen Riff-geschmackvollen, von Ambrose Kenny-Smith gesungenen Schluss explodiert, der dem AC/DC der frühen 80er würdig ist. Mehr Bitte. – Cohen

Vier Jahre nachdem Kokorokos Single „Abusey Junction“ die Aufmerksamkeit des Internets auf sich zog, löst die achtköpfige Londoner Band dieses Versprechen mit ihrem Debütalbum ein. Das von triumphalen Bläsern und komplizierten Rhythmen nur so wimmelnde Projekt ist eine geschickte, selbstbewusste Verbindung von Klängen aus der gesamten afrikanischen Diaspora – von der schimmernden, stark gechoresen Highlife-Gitarre bei „Ewà Inù“ bis zu den funkigen Grooves von „Something's Going On“. bis hin zum Gospel-Gesang in „Those Good Times“. Der Albumtitel deutet auf einen strebenden Geist hin, ein Streben nach dem Jenseits; Ein herausragender Titel trägt den treffenden Titel „Age of Ascent“. Dieses umfangreiche, weitreichende LP erfüllt dieses Ziel. – Kriska Desir

Steve Lacy bekam einen ordentlichen Popularitätsschub, nachdem „Bad Habit“ auf TikTok jede Art von Video, von banal bis inspirierend, mit dem Soundtrack versehen hatte. Der Ausschnitt aus „Ich beiße mir auf die Zunge; es ist eine schlechte Angewohnheit“ befeuerte im Oktober den Aufstieg des Songs auf Platz 1 der Hot 100. Die virale Verbreitung von über 500.000 gemeldeten TikTok-Videos verschaffte Gemini Rights wohlverdiente Aufmerksamkeit, mit der er sich von einer echten Trennung erholt und sich zum Ziel gesetzt hat, noch stärker zu lieben. Der Internet-Gitarrist und Produzent verschmilzt Schlafzimmer-Pop („Helmet“), zarten R&B („Mercury“) und Indie-Funk („Sunshine“ featuring Fousheé) zu einer ganz eigenen Klangidentität. Am Ende des Albums ist er weitergezogen und bereit, sein Herz erneut zu teilen. – Eric Diep

Cate Le Bon hat bereits vor ihrem Lockdown-Album ein Lockdown-Album gemacht, nachdem sie in eine abgelegene Bergregion in England gezogen war, um ihr erhabenes und zartes Album „Reward“ aus dem Jahr 2019 zu erstellen. Doch als während der Entstehung des Nachfolgealbums „Pompeii“ ähnliche Umstände eintraten, ohne dass sie es selbst verschuldet hatte, griff die walisische Songwriterin mit einem Vorschlaghammer in die Stille des Albums und schuf aus den zerbrochenen Fragmenten expressionistische Skulpturen. Pompeji ist ein wunderbares Werk des Art-Pop-Dadaismus, das sich durch den Post-Punk der 80er Jahre und den Bowie der Berliner Ära bewegt. Es verbindet indirekte Beobachtungen (wie „Stellen Sie sich die Party vor, auf der Sie in einem modernen Zeitalter stehen“ oder „Im Remake meines Lebens, Ich bewegte mich in geraden Linien") mit spielerisch schiefen Arrangements. Le Bons Interpretation des Eskapismus hat kein festes Ziel – sie richtet ihren Kompass einfach auf einen anderen Ort aus und genießt die unbekannte Landschaft, während sie das Vergnügen, sich zu verlaufen, wiederentdeckt. – Jeff Terich

Lucky Daye ist schon lange in der Branche unterwegs, sprach 2005 für American Idol vor und war 2008 Co-Autorin des Hits „She Got Her Own“ von Ne-Yo und Jamie Foxx. Doch der Sänger aus New Orleans, der kürzlich 37 Jahre alt wurde, erreichte dieses Jahr endlich einen Wendepunkt, gewann seinen ersten Grammy und landete seinen ersten Hot 100-Hit mit dem Music Soulchild-Sampling „Over“. Er hat sogar einen Country-Hit geschrieben, „Wishful Drinking“ von Ingrid Andress und Sam Hunt. Sein zweites Album, Candydrip, ist der Höhepunkt nach diesem langsamen Karriereaufstieg – ein Triumph dicht strukturierter Balladen, sanfter Falsettstimmen und nachdenklicher Texte über toxische Beziehungen. – Al Shipley

Beat-Splicer Makaya McCraven hat den größten Teil des letzten Jahrzehnts damit verbracht, kollaborative Live-Shows in eine Collage seiner eigenen Fantasie zu zerlegen. Es handelt sich um eine einzigartige Praxis, bei der Abschnitte der Bühnenimprovisation aus verschiedenen Epochen und Spielern in ein intuitives neues Erlebnis umgewandelt werden. Doch „In These Times“ bringt das Gespür des Chicagoer Schlagzeugers für Kompositionen zurück in den Live-Studioraum, mit minimalem Produktionsaufwand. Die daraus resultierenden sanften Melodien, gespielt von Gitarrist Jeff Parker und Harfenistin Brandee Younger, durchdringen McCravens frenetische Rhythmen und schaffen so seine bisher wärmste und direkteste Aufnahme. Ein Zeugnis künstlerischer Kraft im Hier und Jetzt. – Ammar Kalia

Damals betrachtete Melody Prochet „Bon Voyage“ aus dem Jahr 2018 als das Ende von Melody’s Echo Chamber – eine Zeit der Verbeugung und des Abgangs. Und wenn man bedenkt, dass die Fortsetzung ihres selbstbetitelten Debüts von 2012 sechs Jahre gedauert hat – und dass sie 2017 einen „schweren Unfall“ erlitt – erscheint es vernünftig, sie beim Wort zu nehmen. Es war also eine gewisse Überraschung, dass sie (relativ) schnell mit einem neuen Album ankam, nachdem sie von einigen erholsamen Jahren als Familiengründerin in den französischen Alpen zurückgekehrt war, mit Emotional Eternal, einem glitzernden Sammelsurium barocker Psychedelia. Wenn „Melody's Echo Chamber“ eine Aufzeichnung rehbeiniger Entdeckungen war und „Bon Voyage“ ein verrückter Känguruh-Trip ins Jenseits, dann ist „Emotional Eternal“ Prochets Entdeckung (relativ) ruhiger, stabiler Gewässer. Wie ein Echo, das unvorhersehbar von den Wänden hallt, geht die Reise weiter. – Nate Rogers

Messa beschrieb ihren Sound einmal als „scarlet doom“, und man braucht keine Synästhesie, um zu verstehen, warum. Die lebendige, dramatische Musik der italienischen Band hat die Farbe von Blut, die Farbe von Wein, die Farbe von Filmen ihrer Landsleute Mario Bava und Dario Argento. Auf ihrem dritten Album „Close“ fügen sie großzügige Dosen Oud, Mandoline und Duduk zu einer Klangpalette hinzu, die bereits Rhodes-Klavier und Saxophon umfasste. Doom Metal ist für Messa kein Zwang, sondern ein Organisationsprinzip. Jeder neue Sound, den sie einbauen, dient ihrer donnernden Vision. Wenn Frontfrau Sara Bianchin den satten Samt ihrer Stimme über Songs wie „Suspended“ und „Pilgrim“ legt, sind Sie bereits in Messas Bann und werden von ihrer scharlachroten Flut mitgerissen. – Sanders

Mitskis sechstes Album, Laurel Hell, ist ein Triumph – voller eindringlicher Bops, komplexer Gefühle und erhabener Synthesizer. Es ist schwer, einen herausragenden Titel auszuwählen: das Dur-Moll-Spiel von „Working for the Knife“, das hymnische Piano und der schwungvolle Beat von „Stay Soft“, die Synthesizer-Klänge von „The Only Heartbreaker“ und „Love Me More“. Blondie-artiges „Should've Been Me“, die jubelnde, hornige Traurigkeit von „That's Our Lamp“. Zusammengehalten wird es durch Mitski Miyawakis glockenklare Stimme, seinen federnden Shoegaze und seine schwierigen Gefühle. „Laurel Hell“ ist für alle gedacht, die befürchten, dass sie falsch abgebogen sind – oder dass ihnen Abzweigungen vorgeworfen wurden – und die es einfach so lange vertreiben wollen, bis sich die Möglichkeit erneut ergibt. – Hilarie Ashton

2020 hätte das Jahr von Momma werden sollen, aber die Pandemie überschattete ihre zweite LP „Two of Me“, die den Durchbruch schaffen sollte. Dennoch kam das Duo aus Brooklyn mit ihrem Polyvinyl-Debüt „Household Name“ stärker zurück als je zuvor. Mit ansteckenden Melodien und bissigen Texten ist Household Name voller angstvoller Zukunftshymnen. Das Projekt dient als lockeres, satirisches Konzeptalbum über den Aufstieg zum Ruhm als Rockstars, in das aber auch herzliche, persönliche Erzählungen eingebunden sind, wie in „Lucky“, einem wehmütigen Lied über die Schwierigkeiten, unterwegs von seinem Partner getrennt zu werden. Momma zollen ihren musikalischen Helden, nämlich Pavement, Smashing Pumpkins und Liz Phair, Tribut und formen gleichzeitig ihre Musik so, dass sie originell klingt. – Tatiana Tenreyro

Die Musik von Moor Mother, die vor allem für Industrial-Beats und konfrontatives gesprochenes Wort bekannt ist, erinnert oft an das Buch, das die Situationisten mit Einbänden aus Sandpapier veröffentlichten – je abrasiver, desto schwerer zu vermarkten. Jazz Codes besteht aus Free Jazz und Hip-Hop mit einer Anspielung auf Neo-Soul und ist ihr klanglich zugänglichstes Album, aber sie bleibt kompromisslos und wird vielleicht noch kraftvoller. Manchmal rappt der Philly-Musiker wie eine Seherin in Trance, unterstützt von verschiedenen Kollaborateuren, erschüttert und erheitert mit ruhigen, unheimlichen Momenten, als würde er eine Jazz-/Blues-/Rap-Séance abhalten, eine Gemeinschaft schwarzer Generationen, ein Gebet für die Fortsetzung. – Beverly Bryan

Anstatt nur ihr Debüt nachzubilden, entschied sich Haru Nemuri für die Dekonstruktion ihres zweiten Albums. Das Wort taucht in den Songtiteln von Shunka Ryougen auf und ist der Schlüssel dazu, wie die Platte Nemuris Mischung aus Art Rock, Noise Pop und Hip-Hop neu definiert. Nachdem der frühe Schnitt „Never Let You Go“ in einen Nu-Metal-Breakdown übergeht, fühlt es sich an, als könne das ausgedehnte Projekt jederzeit überall hingehen. Das Feedback lässt „Heart of Gold“ abrupt in den Post-Hardcore-Rausch von „Shunrai“ eintauchen, während „Old Fashioned“ unerwartet einen Auto-Tuned-Hyperpop-Hook einbringt. Nemuri weiß geschickt, dass man, wenn man irgendwohin will, auch wissen muss, wann man direkt gehen muss – wie im kaskadierenden Noise-Pop-Refrain von „Bang“ oder mit ihrem unverblümtesten Refrain: „Who the fuck is burns the Forest?“ – Marlin

„Please Have a Seat“ von NNAMDÏ verdeutlicht die Widersprüche, für die der Multiinstrumentalist aus Chicago bekannt ist. Der Emo-Pop-Opener des Albums, „Ready to Run“, bricht in den Trap-Song „Armoire“ im Migos-Stil ein und stellt seine charakteristische Verschmelzung unterschiedlicher Genres zur Schau. Und trotz der Einladung des Albumtitels, für einen Moment des Innehaltens einzuladen, spielt der Refrain des Projekts auf eine existentielle Unruhe an („An manchen Tagen wache ich auf und bin bereit, so weit zu rennen, wie meine Beine mich tragen“). Das ganze Experiment ist in eingängigem, melodischem Pop verankert, auch wenn die Texte auf Entfremdung und Angst hinweisen. Letztlich ist „Please Have a Seat“ nicht nur eine Einladung; Es ist auch die kühne Weigerung eines Künstlers, seine Vielfalt zu leugnen. – Wunsch

Dreißig Jahre nachdem sie zum ersten Mal Folk und Electronica verband, hat sich Beth Orton im Stillen zu einer der subtilsten Synthesizerinnen überhaupt entwickelt. Weather Alive, das so eindringlich und furchtlos ist, dass es wie ein Comeback-Album klingt, verbindet Albion-Folk mit Avant-Jazz, elektronische Impulse mit prismatischen Klavierakkorden, konkrete lyrische Bilder mit musikalischen Ambient-Texturen, Solid Air mit Nebraska. Es ist ein Album über die Überwältigung – von der Natur, von einem Lieblingslied, aber auch von einer geschätzten und gefürchteten Erinnerung. „Das Wetter ist so schön draußen“, singt sie im Titeltrack. „Da muss ich fast weinen.“ Es ist auch ein Album, das überwältigt, von einem Künstler, der den erhabenen Klang perfekt unterstreicht. – Stephen Deusner

„Es ist fast trocken. Rap-Album des Jahres.“ Das Selbstvertrauen von Pusha T war eindeutig ansteckend – sogar Tom Brady wurde zum Gläubigen. King Push glaubt, dass ihm seine vierte Studio-LP einen Grammy einbringen wird, weil niemand mit der gleichen Bösartigkeit und Cleverness rappt. Er rief Pharrell Williams und Kanye West zu sich, um einen Pseudo-Verzus-Kampf mit 6-gegen-6-Beats zu liefern, und schuf so ein stilistisches Gefüge für den Moderator, um mit seinem gewohnten Humor und Pathos weitere Anspielungen auf Kokain zu machen. Es ist eines der wenigen Rap-Alben ohne Auslassungen und mit einem Jay-Z-Feature („Neck & Wrist“), das einen technischen Puristen beleuchtet, dessen Ziel es ist, das Produkt am Laufen zu halten. – Eric Diep

Raveenas zweites Album ist als Konzeptalbum über die Abenteuer einer Punjabi-Weltraumprinzessin konzipiert. Diese lockere Struktur gibt der Künstlerin Raum, ihren Ambitionen freien Lauf zu lassen: Indische Percussion und Bollywood-Referenzen beleben ihren sprudelnden R&B, während sich hinter der ätherischen Vision scharfsinniges Songwriting verbirgt. „Kathy Left 4 Kathmandu“ wehrt sich gnadenlos gegen die westliche Kommerzialisierung der östlichen Spiritualität, aber selbst „Rush“, das einschlägt, als würde Oxytocin in Schallwellen umgewandelt – denken Sie an Mariah Carey in ihrer sprudelndsten Form –, hat eine Kante. Songtexte wie „Heard she's made of music / Ready for your ruin / American fantasy“ werfen einen ironischen Blick auf die Exotisierung in einer Beziehung. – Bryan

Dawn Richard ist eine der leidenschaftlichsten Futuristinnen des Pop, und auf Pigments schneidet ihre Stimme durch die moosigen Noppen und Dendriten von Spencer Zahns Arrangements wie ein Spritzer silbernen Alienbluts. Der Nervenkitzel, zu hören, wie viel Aufmerksamkeit den Filigranen und Schnörkeln des Orchesters gewidmet wird, ist im Grunde ein altmodisches Vergnügen, und „Pigments“ klingt eher wie ein Kammermusik-Liederzyklus als wie eine von Richards stählernen Soloplatten. Aber sie steht im Mittelpunkt als Leuchtfeuer futuristischer Verrücktheit, ihr Gesang ist mit Voice-of-God-Effekten überzogen und überlässt bei Bedarf Zahn den Raum, so dass sich jeder ihrer Auftritte noch viel mehr wie ein seismisches Ereignis anfühlt. – Bromfield

Rosalía wurde mit ihrer zweiten LP, „El Mal Querer“ aus dem Jahr 2018, zu einem internationalen Superstar und übte Druck aus, ihrem bahnbrechenden Flamenco-Trap-Projekt etwas ebenso Aufregendes und Frisches folgen zu lassen. Mit Motomami beweist sie ihre Vielseitigkeit, indem sie eine Fülle neuer Klänge und Stile einbezieht, darunter Jazz, Bolero und Dembow. Mit amüsant benannten Songs wie „Chicken Teriyaki“ und „Hentai“ lässt Rosalía Sie raten, was Sie erwartet. Zum Glück sind die Titel selbst genauso aufmerksamkeitsstark wie ihre Titel. – Tenreyro

Sabas dynamisches drittes Album, Few Good Things, besteht auf der untrennbaren Verbindung zwischen Vergangenheit und Gegenwart, Freude und Schmerz, Schönheit und Verlust – ein Gleichgewicht, das sowohl auf dem Album als auch in einem begleitenden Kurzfilm symbolisiert wird, der in der Nähe des Hauses der Urgroßmutter des Rappers spielt Westseite von Chicago. Auch wenn Saba beispielsweise in „Farmonger“ die nagende Angst vor dem Verlust seiner hart erkämpften Stabilität erforscht, tut er dies mit einem Augenzwinkern und lässt seine agile und spielerische Lyrik unter Beweis stellen. Er wehrt sich gegen die Reduzierung seines Lebens auf ein Trauma; In diesem Liebesbrief an das Zuhause des Rappers zeigt Saba, dass sein Leben und seine Musik so viel mehr sind. – Wunsch

Auf „Squeeze“ untergräbt Sasami die Giftigkeit des Heavy Metal und verleiht dem Genre den dringend benötigten Schub an Intelligenz, Songwriting und Stil. Als klassisch ausgebildete Musikerin, die bei ihrem Debüt 2019 mit Indie-Folk flirtete, schwenkt Sasami erfolgreich in alle Subgenres der Heavy-Musik ein. Dieses zweite Album beginnt mit dem Thrash-Metal-Scuzz von „Skin a Rat“. Später besucht sie in „Say It“ einen Industrial-Gothic-Club. Im Finale „Not a Love Song“ kommt sogar der Orchester-Doom zum Vorschein. Squeeze ist kein typisches Meathead-Hardrock-Album. Es ist etwas viel Überzeugenderes – eine nukleare Explosion, die so viel metallisches Mittelmaß auslöscht. – Matt Sigur

Im Internetzeitalter ist alles kostenlos: Filme, Romane, Alben – aber auch Informationen. Uns wurde eine technologische Utopie versprochen, eine Jetsons-Welt, aber die Tatsache, dass wir die Gesamtheit der Gesellschaft zur Hand hatten, hielt den Zug nicht davon ab, aus den Gleisen zu geraten. Und als wir ausstiegen, um den Schaden zu begutachten, wartete einer der ursprünglichen Technikkritiker, Thom Yorke, lächelnd. „Free in the Knowledge / That one day this will end“ tröstet uns der stets fröhliche Yorke bei „Free in the Knowledge“ und zuckt praktisch mit den Schultern. Mit seinem alten Radiohead-General Jonny Greenwood (von der Gitarre bis zur Harfe) und dem Neuzugang Tom Skinner (Schlagzeug) ist „The Smile's A Light for Attracting Attention“ sowohl im Klang als auch im Geiste kein echtes Radiohead-Album. Stattdessen ist es ein Versuch, etwas zu tun, was sich Radiohead nie erlaubt hat: nahezu jeden Klangsprung zu überblicken, den die Band unternommen hat, um hierher zu gelangen. Da gibt es den stechenden Gitarrenangriff von The Bends („You Will Never Work in Television Again“), die von Synthesizern durchtränkte Panikattacke von Kid A („We Don’t Know What Tomorrow Brings“), das arpeggierte Ballett von In Rainbows („ Skrting on the Surface"). Und der Hauptdarsteller des Ganzen ist natürlich unser Kumpel Yorke, der sich abwechselnd entweder wie ein Verrückter oder wie ein Prophet anhört. Kann irgendjemand den Unterschied noch erkennen? – Nate Rogers

Sminos „Luv 4 Rent“ kombiniert flinke Flows mit tiefen Emotionen (und dem flexiblen Gesang, um sie spüren zu lassen) und ist ein impressionistisches Porträt fehlerhafter Romantik, Familie und Funk. Für das Projekt pendelt der Rapper aus St. Louis zwischen halb-frei-assoziativen Pointen und Momenten tiefer Verletzlichkeit und verbindet sie mit Ehrlichkeit, frechem Witz und viel Aufrichtigkeit. Es kann etwas hektisch sein und es gibt jede Menge Material auszupacken – aber mit seiner ernsten, bodenständigen Wärme lädt das Album dazu ein, eine Weile dabei zu sitzen, wobei Smino die Art von Moderator ist, der einem ein Lied vorsingt. – Beere

Soul Glo aus Philadelphia ist das Sprachrohr dieser modernen Hardcore-Generation. Und bei den bahnbrechenden Diaspora Problems versetzen sie ihnen mit ihrem einzigartigen Klangstrudel einen Schlag nach dem anderen in die Magengrube – und stellen so die Blaupause des Genres auf den Kopf, während sie ihre Zeitgenossen beschämen. Ihre vierte LP ist ein brodelnder Topf berechtigter Wut gegen das von weißen Männern dominierte System, sei es in der DIY-Szene oder in der politischen Landschaft, und Diaspora Problems deutet eine Band an, die am Rande brodelt. Das Album besetzt sein eigenes Universum und schafft eine berauschende und mit Hooks beladene Kakophonie aus Hardcore-Wut, Hip-Hop-Grooves und elektronischem Splatter. „Wer wird mir in den Arsch schlagen? Wer zum Teufel wird mir in den Arsch schlagen?“ jammert Sänger Pierce Jordan. Seien Sie versichert, der einzige Arschtritt wird mit freundlicher Genehmigung von Soul Glo kommen. Ein sofortiger Klassiker, falls es jemals einen gab. – Brad Cohan

Wenn Sie sich das neue Spoon anhören, denken Sie vielleicht: „Können sie das noch einmal machen?“ Auf dem zehnten Studioalbum der Band, „Lucifer on the Sofa“, kommen die Höhepunkte früh und oft. Fans werden zweifellos den dröhnenden Gitarren-Break in „The Hardest Cut“, den Liebeslied-/Hymnen-Doppelschlag in „Wild“ und „My Babe“ und die Bowie-artigen Klaviere in „On the Radio“ genießen. Die Platte baut auf einen der besten Songs im bereits umfangreichen Katalog der Band auf: den Titelsong mit Saxophonen, die wie ferne Schreie aus einem Krankenwagen klingen. Wenn das letzte Lied zu Ende ist, könnte es sein, dass Sie ausgezahlt auf dem Sofa sitzen und schockiert über das sind, was gerade passiert ist. Dann wird einem klar: „Verdammt, Spoon hat es wieder geschafft.“ – Sigur

Ramona Park Broke My Heart ist eine Collage komplizierter Wahrheiten. In „The Beach“ destilliert Vince Staples Erinnerungen an Mahnwachen bei Kerzenlicht und Witze über gefallene Feinde mit schwarzem Humor und Aufrichtigkeit – gegensätzliche Töne, die er nahtlos miteinander verbindet. „Lemonade“ klingt mit seinem atmosphärischen Schwung der Westküste und der entspannten Melodie wie ein luftiger Aufschub, aber sein Text erklärt, wie Illusionen der Liebe zu einem frühen Tod führen können. Staples nutzt Subtext, unterschätzte Musikalität und ironischen Witz, um die Distanz zwischen Emotionen zu überwinden und einen Grundzustand des Lebens zu erreichen: Die meisten Dinge sind ein bisschen gut und ein bisschen schlecht. In der Tat bittersüß. – Beere

Auf ihrem Debütalbum „Athena“ aus dem Jahr 2019 als Sudan Archives präsentiert Brittney Parks eine ausgefeilte, statuarische Interpretation ihrer Musik. Mit ihrer Geige bewaffnet produzierte sie eine üppige Verflechtung nicht-westlicher Streichertraditionen und R&B-Melodien. Der diesjährige Natural Brown Prom Queen ist ein deutlicher Aufbruch. Ihre bisherige Souveränität ist verschwunden und wird stattdessen durch ohrenbetäubende Hooks und Mitsing-Refrains ersetzt, die in Richtung Pop tendieren. Mit Soul-Claps und One-String-Melodien bei „NBPQ (Topless)“, Gesang über donnernden Bass bei „Selfish Soul“ und hüpfendem Synth-Funk von „Chevy S10“ befreit Natural Brown Prom Queen Parks in eine herrliche Welt Experimentalismus, wobei die Geige der Initiator ihrer Partei war. – Kalia

Im Kern sind Wet Leg auf ihrem selbstbetitelten Debüt Agenten des Chaos, ein Aufruhr aus dröhnenden Gitarren und scharfen Hooks, die drollige Erkundungen von Lust und Lethargie umrahmen. Unter dem ultratrockenen Gesangseinfluss von Sängerin Rhian Teasdale fließt eine Kaskade starker Emotionen, wenn sie auf langweiligen Partys routinemäßige Interaktionen aufspießt, masturbierende Ex-Freunde anruft und in der herrlich trockenen Leadsingle „Chaise Longue“ einen Liegestuhl in ein Totem verwandelt der Verführung. Was „Wet Leg“ neben den straffen, eingängigen Songs so überzeugend macht, ist die Ader der schlauen Unverschämtheit, die sie auszeichnet: Teasdale und Hester Chambers sind lustig, frech und unerschütterlich selbstbewusst. – Eric R. Danton

Billy Woods ist ein einzigartiges lyrisches Talent, das sich oft in guter Gesellschaft befindet. Er ist die eine Hälfte von Armand Hammer, dessen Haram auf der SPIN-Liste der besten Alben des Jahres 2021 stand, und hat sich den Wachsraum mit Moderatoren wie Moor Mother und Produzenten wie Kenny Segal und Messiah Musik geteilt. Aethiopes ist in dieser Hinsicht nicht anders. Zu Woods gesellte sich dieses Mal Preservation, der zuvor mit Ka zusammengearbeitet und in Hongkong Beats im Umfang eines Albums veröffentlicht hatte, die aus obskuren Fundstücken gesponnen wurden. Die tiefsten Kistengrabungen von Preservation bilden die schattige Grundlage für Woods' komplizierte Erzählungen, die mit Bildern von in Ungnade gefallenen Despoten, Ehekonflikten und dem Reiten eines schwarzen Pegasus mit Medusas Kopf in einem Sack verflochten sind. Aethiopes zeigt Woods in seiner ängstlichsten und lebhaftesten surrealen Form, ein Karrierehoch, dem nur sechs Monate später ein weiterer Knaller folgt. – Terich

Das Debütalbum des Südlondoner Punk Wu-Lu ist ein Meisterstück darin, die Unzufriedenheit des modernen Stadtlebens zu nutzen, um mitreißende, Groove-geladene Tracks der gemeinschaftlichen Katharsis zu schaffen. Die Single „South“ stellt seinen kiesigen Bariton zur Schau, während er die Gentrifizierung des überwiegend karibischen Viertels Brixton beklagt und über donnernde Gitarren und klappernde Lo-Fi-Schlagzeuge schimpft; Unterdessen bewegen sich Nummern wie „Times“ und „Broken Homes“ weiter in den Moshpit-tauglichen Grunge, alles untermalt von einprägsamen, gesungenen Melodien. Geschickte Auftritte der Sängerin Léa Sen und des Rappers Lex Amor ergänzen Wu-Lus Ensemble an aufstrebenden Talenten und machen ihn zu einem mächtigen Orchestrator musikalischer Unzufriedenheit. – Kalia