Mark di Suvero: Stahl wie Papier

Aug 09, 2023

Die letzte Mark di Suvero gewidmete Retrospektive fand vor mehr als dreißig Jahren statt, als der Künstler Ende fünfzig war und bereits seit mehr als drei Jahrzehnten Werke schuf. Bemerkenswert ist, dass sich die Länge seiner Karriere seitdem mehr als verdoppelt hat – und dass es seitdem keinen umfassenden Rückblick mehr gegeben hat. Di Suvero hat sein Schaffens- und Innovationstempo nie verlangsamt, und als er sich seinem neunzigsten Geburtstag nähert, wurde ihm endlich eine längst überfällige Umfrage eingeläutet. „Mark di Suvero: Steel Like Paper“, das jetzt im Nasher Sculpture Center in Dallas zu sehen ist und vom Chefkurator des Museums, Jed Morse, organisiert wird, umfasst dreißig Skulpturen sowie eine breite Palette weniger bekannter Zeichnungen und Gemälde. In diesen Werkgruppen, die von den späten 1950er Jahren bis in die Gegenwart reichen, durchdringt di Suveros vielgepriesene Vitalität und Großzügigkeit die Show und schenkt dem Betrachter ein anhaltendes Gefühl von Lebensfreude, das in einer Ausstellung manchmal schwer zu finden ist oft antiseptisches zeitgenössisches Museumsambiente.

In der zentralen Galerie des Nasher ist die hohe Skulptur Swing (2008–22) Mittelpunkt und Einladung zugleich. Ein Sockel aus Edelstahl ragt zur Decke, an dem eine Wiege aus Stahl und Gummi hängt, die lose an ein großes Vogelnest erinnert. Besucher werden aufgefordert, einzeln auf die Schaukel zu klettern und werden von einem Dozenten sanft angestoßen. Das fühlt sich revolutionär an in einer Zeit, in der Kunstwerke fast vollständig von allen Sinnen außer dem Sehvermögen abgeschnitten sind. In einem Museum ist es üblich, dass wir hinschauen, aber nicht anfassen, und vergessen dabei schnell, dass es tatsächlich viele verschiedene Arten des Sehens gibt.

Beim Schaukeln in der Schaukel mit Blick auf die riesige Galerie und die riesigen Panoramafenster mit Blick auf den idyllischen Skulpturengarten des Museums, in dem sich eine Reihe der ikonischen Outdoor-Stahlskulpturen von di Suvero befinden, hat der Betrachter das Gefühl, Teil der Skulptur zu werden, und erhält auch etwas von einem ausgeprägtes Bewusstsein, im eigenen Körper zu sein. Dass sich so viele Menschen, die in di Suveros Skulptur schwingen, gezwungen fühlen, schnell herauszuspringen, eine Abwehrmaßnahme gegen aufkommende Befangenheit, unterstreicht nur, was di Suvero offenbar mitteilen möchte. Das heutige Leben hält uns von solch einem innigen Kontakt mit unseren eigenen menschlichen Gefäßen ab. Wir möchten nicht über die unzähligen albernen und rücksichtslosen Gesten nachdenken, die wir jeden Tag ausführen. Beim Ausruhen im Schwung von di Suvero entsteht ein Moment der Verletzlichkeit. Für diejenigen, die es sich erlauben können, in seiner Zuflucht zu verweilen und hin und her zu schwanken, wird die sanfte Handlung zu einem radikalen Akt der Großmut.

Di Suveros Name ist fast gleichbedeutend mit seinen hoch aufragenden, großformatigen Werken im Freien und öffentlichen Skulpturen, und wahrscheinlich wird sein Werk deshalb häufig als „monumental“ beschrieben, obwohl der Künstler selbst diesen Begriff meidet. Selbst seine größten Werke sind nicht so sehr muskulös im Sinne von Aggressivität oder Kraft, sondern eher im somatischen Sinne. Sie stehen im Einklang mit dem Körper in Bezug auf seine Bewegung durch den Raum. Ein Werk wie „Swing“ stellt eine Erwiderung auf die vorgegebene Denkweise zu di Suveros Werk dar; Obwohl es nach oben segelt und fast die Decke streift, bleibt die menschliche Qualität der Skulptur erhalten.

Immer wieder zeugen di Suveros Arbeiten von der Hochstimmung von Flüssigkeit und Bewegung. Das traf bereits auf seine frühesten Skulpturen zu, aber seine Bedeutung kann nicht von der Eindringlichkeit getrennt werden, die es nach 1960 annahm, dem Jahr, in dem der Künstler nach einem verheerenden Unfall, den er bei der Arbeit als Tagelöhner erlitt, von der Hüfte abwärts gelähmt wurde. Mit 31 Jahren widersetzte er sich den Vorhersagen seiner Ärzte, dass er nie wieder gehen würde, und erlangte mithilfe von Beinschienen und Gehstöcken seine Beweglichkeit zurück. Hankchampion (1960) erinnert an diesen kritischen Moment in di Suveros Leben, eine Arbeit, die vor seinem Unfall begonnen und anschließend – mit Hilfe seines jüngeren Bruders Hank – abgeschlossen wurde. Die klobigen Holzfetzen, die aus Gebäudeabrissen in Lower Manhattan geborgen wurden, für die di Suvero zu Beginn seiner Karriere häufig nach Materialien suchte, sind zwar unbeweglich, aber so zusammengesetzt, dass sie Vorwärtsdrang suggerieren. Die Skulptur vermittelt gleichzeitig Prekarität und Robustheit, gefangen in einem poetischen Schwebezustand.

Die Ausstellung ist ein weiteres Argument für die „Anti-Monumentalität“ von di Suveros Werk, indem sie eine Reihe von Skulpturen im menschlichen Maßstab oder kleiner hervorhebt, darunter Johannes der Täufer (1961), das erste Werk, das er danach vollständig aus Stahl schuf Er lernte nach seinem Unfall das Schweißen. Einige der Schnitte im Metall wirken gezackt, wie es sich für ein frühes Metallwerk gehört, aber die Lattenelemente, die an einer Armatur des Werks herabhängen und einem verdrehten Rückgrat ähneln, sind herzzerreißend. Von hier aus wird das Publikum Zeuge der zunehmenden Begabung von di Suvero im Umgang mit Metall im Laufe der folgenden Jahrzehnte. In einem ausgereiften Werk wie der Tischskulptur WonTon (1970) hat di Suvero dem Stahl eine leichte Sinnlichkeit entlockt, indem er ihn zu gewundenen Knoten und Korkenziehern gebogen und gekräuselt hat, die in verschiedene Konfigurationen verschoben werden können, wodurch die Möglichkeit offen bleibt, die man vielleicht nie sieht genau die gleiche Skulptur zweimal. Mit seiner impliziten Ermutigung zur menschlichen Interaktion mit dem Werk selbst widersetzt sich di Suvero erneut der Konvention, Objekt vom Sterblichen zu trennen.

In Steel Like Paper sind auch eine Reihe von Zeichnungen, Drucken und Gemälden enthalten, die einen weniger häufig gesehenen, aber entscheidenden Aspekt von di Suveros Oeuvre hervorheben. Seine Zeichnungen sind in einer selbstbewussten Handschrift entstanden, die einen warmen Optimismus vermittelt. Wie in einer Reihe von Tuschezeichnungen aus den Jahren 2000–2001 mit dem Titel „Eviva“ für seine große Außenskulptur Eviva Amore (2001), die als Teil der ständigen Sammlung im Skulpturengarten des Nasher steht, erinnern seine Gesten auf Papier an das kraftvolle Werk der Skulptur, ohne jemals in eine präzise Beschreibung überzugehen. „Wenn er die Energie seiner Ideen in einer Zeichnung einfangen könnte“, schreibt Morse in seinem Essay zum Ausstellungskatalog, dann sagte di Suvero, „könnte er diese Energie in der fertigen Skulptur vermitteln.“ An anderer Stelle ist eine fast wandgroße Leinwand, Untitled (1995), ein zweidimensionales Überraschungsstück der Ausstellung. Das etwa neun mal elf Fuß große abstrakte Gemälde ist über einem Hintergrund aus satten Blautönen mit Kringeln aus kräftigen, kinetischen Farben übersät. Angezogen von der Kinetik der sicheren Zeichen di Suveros, die sich in einem kaleidoskopischen Walzer über die Oberfläche zu bewegen scheinen, kann das Auge nicht anders, als über die Leinwand zu tanzen. Wieder einmal wird der Betrachter eins mit dem Werk, es ist unmöglich, den Tänzer vom Tanz zu trennen.

Jessica Holmes ist ein in New York lebender Autor und Kritiker. Sie ist Kunstredakteurin und ArTonic-Redakteurin für Brooklyn Rail.