Ein Blick auf vier Ausstellungen in San Antonio

Mar 14, 2023

„Milk“-Ausstellungsschild für Sean Thomas Johnston in der Fl!ght Gallery, San Antonio. Foto: Colette Copeland.

Milch – Zeitgenössisches Glas von Sean Thomas JohnstonFl!ght Gallery 5. Januar – 29. Januar 2023

Sean Thomas Johnstons „Milk Marble“. Foto: Colette Copeland.

Sean Thomas Johnston, der vor allem für seine aufwendig detaillierten Glasmurmeln bekannt ist, verlässt in seiner aktuellen Ausstellung „Milk at Fl!ght Gallery“ die traditionelle Glasbläserei und wagt sich stattdessen in den konzeptuellen Bereich der zeitgenössischen Kunst. Als ich die Galerie betrat, dachte ich sofort an Duchamp und seinen subversiven Witz. Drei Wände sind mit Wasserhähnen gesäumt, aus denen weiße Tropfen tropfen. Der Verweis auf das Readymade endet jedoch hier. Während Johnston die Leuchten von Home Depot bezog, handelt es sich bei den Tropfen um zarte, organische Formen aus mundgeblasenem weißem Glas. Im Gespräch mit dem Künstler erzählte er mir, dass weißes Glas besonders schwierig zu bearbeiten sei, da sich die durchscheinende Milchigkeit bei unsachgemäßer Handhabung leicht in eine verbrannte Farbe verwandeln könne. Auch wenn Johnston sich nicht direkt von Duchamp inspirieren ließ, bezog er sich mit seinen Skulpturen auf die Verschiebung der Materie von flüssig zu fest und erzeugte eine optische Täuschung.

Ebenfalls ausgestellt sind Glasmurmeln. Diese sind sehr arbeitsintensiv und zeichnen sich durch sorgfältig geschichtete organische Muster aus. Wenn man sie gegen das Licht hält, entsteht ein kaleidoskopischer Effekt, einschließlich magischer Regenbogenfunkeln, bei denen es sich laut Johnston um synthetische Opale handelt. Die Fotos werden der Arbeit nicht gerecht. Wenn Sie also in der Stadt sind, sollten Sie sich das Werk auf jeden Fall persönlich ansehen.

Sean Thomas Johnston, „Milk“, Installationsansicht, 2023. Foto: Colette Copeland.

Sean Thomas Johnston, „Milk Drip“ (Ausschnitt). Foto: Colette Copeland.

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Kim Bishop, „Herzen“. Bild mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.

Kim Bishop: Threads & AftershocksEröffnung im März 2023 im Sala Diaz

Die Arbeit der Künstlerin Kim Bishop erforscht familiäre Verbindungen und die Bindungen, die uns im Laufe der Zeit individuell und kollektiv verbinden. Ihre im Körper verwurzelten Stücke werfen Fragen zur Geschlechterfreiheit, zu den Rechten der Eltern und zur Art und Weise auf, wie sich die Geschichte wiederholt. Threads & Aftershocks wird eine neue Serie von Fadenzeichnungen und großformatigen Graphitzeichnungen enthalten. Die Eröffnung der Ausstellung war für den 6. Januar geplant, wurde jedoch aufgrund von Wartungsproblemen in der Galerie auf März verschoben.

Anstatt mir die Ausstellung in der Galerie anzusehen, besuchte ich Kim in ihrem Heimstudio, um ihre Arbeit zu besprechen. Eine lebensgroße Zeichnung erregte sofort meine Aufmerksamkeit. Inspiriert von einem Gemälde von Carlos Orozco Romero zeigt „I Carry You“ eine Frau, deren Gesicht in Stoff gehüllt ist. Ihre Halskette (von Bishop als Umriss dargestellt) besteht aus einem Kaktus mit intakten Dornen; Sie hält eine Schüssel in der Hand, um das von den Dornen vergossene Blut aufzufangen. Symbolisch soll die Frau ihre Gelübde/Sünden in die Halskette stecken und wird dann öffentlich zur Schau gestellt, um sie zu beschämen. Denken Sie an Scarlett Letter. Bishops Version enthält eine Fülle surrealer, detaillierter Bilder im Oberkörper der Frau. Konzeptionell bezieht sich diese Arbeit auf die Abtreibung und die kürzliche Abschaffung von Roe vs. Wade, spricht aber auch von der Fürsorge und der Lebenskraft der mütterlichen Liebe, die trotz aller Widrigkeiten vorherrscht.

Kim Bishop, „Mother's Prayer“ 2022. Foto mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.

Kim-Bishop, „My Grandmother’s Thread 3“, 2022. Foto mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.

Kim Bishop, „Lithograph and Thread“, 2022. Foto mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.

Bishop hat auch an einer Reihe feiner Fadenzeichnungen gearbeitet, die aus dem Nähzeug ihrer Großmutter stammen. Um sie anzufertigen, beginnt sie mit einer Konturlinienzeichnung und stickt dann auf das Papier. Sie verwendet auch eine Drucktechnik, bei der sie die Fadenzeichnung auf eine Lithographieplatte brennt, die sie dann druckt und einnäht. Diese Übersetzung von Materialien fungiert konzeptionell als die Verflechtung von Mehrgenerationenfamilien, ererbten Traumata und dem Faden, der verhindert, dass sich die Bindungen auflösen.

Zwei Zeichnungen, die mir besonders am Herzen lagen, sind „Mother's Prayer“ und „Grandmother's Thread“. „Mother's Prayer“ ist eine Fadenkonturlinienzeichnung von Bishops Sohn mit seinen beiden Kindern. Ein Kind liegt in seinen Armen und eines geht Hand in Hand mit seinem Vater. Das Werk repräsentiert den Kampf um die Rechte der Eltern und den Wunsch, den eigenen Kindern das bestmögliche Leben zu ermöglichen. „Grandmother's Thread“ ist ein minimalistisches Selbstporträt mit Konturlinien. Die roten und blauen Fäden stellen das Blut dar, das durch den Körper wandert, zunächst sauerstofffrei und dann mit Lebenskraft mit Sauerstoff angereichert. Dies bezieht sich auf Lebensadern – die Verbundenheit der Familie in unseren Adern.

Kim-Bishop, „I Carry You“, 2022, Graphit auf Papier, 5 x 3 Zoll. Foto mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.

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Jesus Treviño, „Carnesazo“, 2021. Foto mit freundlicher Genehmigung der Presa House Gallery.

Jesus Treviño, „Memories Come in Waves“, 2022. Foto mit freundlicher Genehmigung der Presa House Gallery.

Jesus Treviño: Phantom im ScheinwerferlichtPresa House Gallery 6. Januar – 18. Februar 2023

Jesus Treviños Gemälde nutzen Familienbilder als Ausgangsmaterial und erforschen die Erfahrungen des Künstlers, als er an der Grenze zwischen den USA und Mexiko aufwuchs, sowie Themen wie Vertreibung und Auslöschung aus der Geschichte. Eine Arbeit in der Ausstellung, Recuerdos Left in the Dust, ist ein zweiteiliges Ölgemälde mit wirbelnden Pinselstrichen, die an einen texanischen Staubsturm mit ätherischen Figuren in der Mitte und einem weißen Pickup im rechten Drittel der Leinwand erinnern. Treviño fängt die Schönheit des texanischen Himmels ein und malt gekonnt das wechselnde Licht und die Farben eines bevorstehenden Sturms. Während die Figuren, die die Erinnerung repräsentieren, verschwinden, bildet der Hyperrealismus des Lastwagens einen scharfen Kontrast zur Gegenwart. Treviño fügt der Leinwand auch gebrauchtes Motoröl aus dem Autohaus seiner Familie hinzu, das verhindert, dass der Lack vollständig trocknet. Als Medium ist Motoröl reich an Assoziationen, die sowohl auf Handarbeit als auch auf die Fülle von Ölquellen und Raffinerien in Texas verweisen.

Jesus Treviño, „Oil Over Troubled Water“, linke Tafel. Foto mit freundlicher Genehmigung der Presa House Gallery.

Jesus Treviño, „Öl über unruhigem Wasser“, Mitteltafel. Foto mit freundlicher Genehmigung der Presa House Gallery.

Jesus Treviño, „Öl über unruhigem Wasser“, rechte Tafel. Foto mit freundlicher Genehmigung der Presa House Gallery.

Wenn man sich die gesamte Ausstellung ansieht, wird deutlich, dass es im Jahr 2022 eine Verschiebung in der Farbpalette von Treviño gab. Die Werke von früher verwenden warme Gelbtöne, wie zum Beispiel in Carnesazo, das eine Grillparty im Freien mit zwei Figuren zeigt. Eine junge Frau und ein Stuhl sind mit lebhaften Details gemalt, aber die männliche Figur verschwindet im sonnendurchfluteten Hintergrund. Ich interpretiere dies als die Erinnerung an Erinnerungen eines verstorbenen Familienmitglieds. Der Künstler beschreibt dieses Werk als Symbol des Glaubens, den man in sich trägt.

Jesus Treviño, „Recuerdos Left in the Dust“, 2022, linke Tafel. Foto mit freundlicher Genehmigung der Presa House Gallery.

Jesus Treviño, „Recuerdos Left in the Dust“, 2022, rechte Tafel. Foto mit freundlicher Genehmigung der Presa House Gallery.

Es war schwierig, einzugrenzen, über welche Gemälde man schreiben sollte, da viele von ihnen reich an Erzählungen und Inhalten sind. Das Highlight der Ausstellung ist das dreiteilige Werk „Oil Over Troubled Water“. Die Komposition zeigt die Brücke der Amerikas (die Ciudad Juárez und El Paso verbindet) mit dem Rio Grande inmitten eines gewaltigen Tsunamis. Zuschauer beobachten passiv den Sturm, während Wellen die Brücke zu zerstören drohen. Die dritte Tafel zeigt die Ruhe nach dem Sturm, wobei die Brücke noch intakt ist. Treviño verwendet Himmelblau, um das turbulente Ereignis darzustellen, lässt die Brücke jedoch farblos, einen bloßen Umriss ohne Details. Die Brücke ist eine gespenstische Präsenz und symbolisiert eher eine Hoffnung oder einen Traum als eine Erinnerung.

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Lordy Rodriguez, „Pangea-1, Detail 10, Richest Countries by Net Worth“, 2022, Tinte auf Papier. Mit freundlicher Genehmigung von Artpace.

Lordy Rodriguez: Since We Last MetArtpace 12. Januar – 30. April 2023

Lordy Rodriguez, der 1995 der erste Gast des Artpace-Programms war, kehrt zurück, um eine Auswahl seiner Arbeiten auszustellen, die sich mit der Sprache der Kartierung und Rastern befassen. Karte und Raster als Werkzeuge der visuellen Sprache sind heute in der zeitgenössischen Kunst allgegenwärtig; Was mich an Rodriguez' Arbeit am meisten interessiert, ist die Art und Weise, wie er die Karte als visuelles Symbol von Macht und Kolonialismus dekonstruiert. In einem Videointerview bezeichnete er seine Arbeit als „trügerische Kartografie“. Als Betrachter betrachten wir Karten als Orientierungshilfe, nicht nur als Navigationshilfe, sondern auch, um ein Gefühl für die Geographie eines Ortes zu bekommen. Rodriguez stellt uns absichtlich falsche Informationen zur Verfügung. Daher stellen seine Neuinterpretationen von Orten und Ereignissen staatliche und institutionelle Autorität in Frage

Lordy Rodriguez, Installationsansicht von „Since We Last Met“ bei Artpace. Foto: Colette Copeland.

Lordy Rodriguez, Installationsansicht von „Since We Last Met“ bei Artpace. Foto: Colette Copeland.

In der Ausstellung kartiert Rodriguez bedeutende politische Ereignisse wie Proteste und Märsche. Man könnte fragen: Wie bilden wir Wählerrechte, soziale Gerechtigkeit und Aktivistenarbeit ab? In der America-Serie konfiguriert der Künstler Karten der USA basierend auf seinen persönlichen Erfahrungen, Reisen, Erinnerungen und Wünschen neu. In seinem Künstlergespräch sprach er über seine Rolle als Künstler. Als Einwanderer wurde er dazu ermutigt, Arzt oder Ingenieur zu werden. Daher ist Kunst für ihn ein Akt des sozialen Protests, da sie den gesellschaftlichen Erwartungen zuwiderläuft.

Seine aktuelle Serie „Pangäa“ bezieht sich auf eine hypothetische Landmasse, die existierte, als alle Kontinente vor etwa 200 bis 300 Millionen Jahren miteinander verbunden waren. In Rodriguez‘ Pangeas rekonfiguriert er die Geographie, um soziale, wirtschaftliche und politische Themen zu kommentieren. Panagea 1 ist eine Karte, die die zehn reichsten Länder der Welt verbindet. Die detaillierten Tusche-auf-Papier-Zeichnungen zeigen komplizierte Linien, die Straßen kennzeichnen und die Vernetzung des globalen Reichtums veranschaulichen. Einen kontrastierenden wirtschaftlichen Reichtum stellt Panagea 2 dar, das nach Angaben des International Rescue Center Länder auf der „Beobachtungsliste“ kartiert.

Lordy-Rodriguez, „Pangea 2, Detail, IRC Emergency Watchlist“, 2022, Tinte auf Papier. Foto mit freundlicher Genehmigung von Artpace.

Ich wäre nachlässig, wenn ich nicht auf die technischen Aspekte der Arbeit eingehen würde – alle Teile sind unglaublich detailliert und arbeitsintensiv. Das erinnert mich an die frühe Kartografie und die Bedeutung präziser Handarbeit für die Erstellung genauer Karten. Vielleicht dient diese Hingabe an die zwanghafte Handarbeit auch als Akt des Widerstands.

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